一张lead sheet只给出一首曲子最核心的内容：五线谱上的旋律，以及用和弦标记写出的和声。把它读好，不是把那些音弹出来，而是理解乐句、瞬间认出每一个和弦，并且清楚自己要承担哪个角色。
可以说，lead sheet是一部作品的总体轮廓。独奏钢琴家和乐队里的每一位乐手都可以读同一张谱，各自承担不同的任务。钢琴家可以用它独奏一首曲子，按照自己的喜好或能力去编配旋律。同一段音乐可以听起来简单，也可以听起来复杂，取决于演奏者的语汇，因为演奏者是在边弹边"编"这首曲子。
我几乎每晚都在读lead sheet。下面这些，就是有人问我该从哪里开始时，我通常会讲的内容。
同一张谱，三个不同的乐手
假设有一个三重奏：钢琴、贝斯和长笛。三个人读的是同一张lead sheet，从中取用的东西却各不相同。贝斯手靠和弦标记知道该弹哪些音、怎样走线条。但旋律对他同样有用：它是不迷路的指引，也帮他决定每一段的性格。
钢琴家靠和声来铺开伴奏，靠旋律来知道该怎样伴奏：哪里可以加密节奏，哪里可以在乐句之间加一个填充句，该停留在哪个音区才不会踩到旋律。
旋律乐器主要依赖旋律，但也依赖和声：像爵士乐手那样在曲式上即兴时需要它；当钢琴暂时接过旋律、需要在和弦上构建一条对旋律时也需要它。
所有人读的都一样。没有人弹的一样。
它和传统乐谱差别很大吗？
可以说两者呈现的是同样的信息，只是一个要求严格照谱演奏，另一个留下了更多创造的空间。不过这条界线并不像看上去那么分明。你可以从一份写得完整的乐谱里提取旋律和和声信息，把它重新处理成一个编配；古典钢琴家在那些困难的、或者对某些手来说根本不可能的段落里，做的正是这件事。而大量巴洛克音乐是写在数字低音之上的，本来就打算给演奏者留出真正的自由。在很长一段时间里，即使在欧洲的学院派中，乐谱也是一种开放的格式。这种状态随着后浪漫主义时期的各种版本和校订者而消失了，取而代之的观念是：乐谱储存的是按键的指令。各类机构也在朝同一个方向推动：培养演奏得越来越"完美"的音乐家，而不是能理解地阅读、能重新诠释所写内容的音乐家。
这是小学里那个老问题：死记硬背，还是理解概念？lead sheet就是概念图，是提纲。用lead sheet工作，会让你直接面对创造的必要。
写出来的，你去诠释；没写出来的，你去创造。这迫使你理解上下文。
旋律：按乐句读，而不是逐音读
lead sheet上的旋律，不只是一条"弹这些音就会响"的指令。你必须诠释乐句、识别曲式，因为从某种意义上说，一切都是开放的。如果你要弹旋律，请记住它通常写得很朴素，你可以、也应该为它分句、加装饰、换音区或者重新编配。按乐句读而不是逐音读的能力，只有一种方法可以获得：读，读，再读。如果材料是按顺序编排好的，会大有帮助。Piano Tree的爵士板块正是这样构建的：乐句按节奏分类，按和声发展的顺序排列，从简单的三和弦乐句，到建立在四音和弦、环绕音和和弦延伸音上的乐句。这样的进阶会在旋律内容和它底下的和声之间建立起牢固的联系，并循序渐进地引入旋律张力音及其解决。它不只是给爵士乐手用的。任何想要有理解地读旋律的音乐家，都会从中受益。
和弦标记：不假思索地认出并弹出
起点是瞬间认出每一个和弦标记。而且不只是认出：要在钢琴上把它弹出来，中间不经过任何语言思考。这必须是自动的。如果钢琴家看到一个和弦标记，停下来"拼"这个和弦，音乐很遗憾不会停下来等他。认识一个和弦有很多层次。同一张lead sheet，一开始可以用原位的简单三和弦来弹；同一位钢琴家，几年之后可以用完全不同的方式弹同一张谱，带上延伸音，带上编配的意识。
Piano Tree的和弦与音阶训练（Chords and Scales Training）按顺序走完这条路：基础三和弦、音阶、进阶三和弦、左手开放三和弦、四音和弦。练习它，对于建立起面对和弦标记时自动的刺激与反应关系至关重要，而这会在你脑子里为创造力和音乐性腾出空间。当你不再想着音名和数字时，才有余地讲究品味，一切也会变得更有成就感。
角色：低音、伴奏、旋律、对旋律
读lead sheet就像照着提纲做一场演讲。想象你要做一场演讲，稿子没有一字一句地写出来，但你记下了要点，免得迷路。最要紧的是什么？懂这个题目。你不懂的东西，是讲不出来的。对lead sheet来说，懂这个题目意味着三件事：
- 读一条旋律并理解它，这比能把它弹出来要多得多。
- 解读和弦标记。 认识所有和弦是第一步。和弦会组成进行，认识这些进行，就等于往前多了一层上下文。
- 了解编配中的各个角色，并能在每一个角色里即兴撑住场面： 低音、伴奏、旋律和对旋律。
取决于你是独奏还是合奏，你需要同时承担其中一个或几个角色。钢琴独奏，四个都要。三重奏里也许两个，而且一个chorus换到下一个chorus时还会变化。
用Piano Tree的真实曲目训练旋律阅读和和弦标记