A principios de los años 2000 estaba genuinamente perplejo por una pregunta que no podía encontrar respondida en ningún lugar: ¿cómo es realmente el camino para convertirse en compositor? Encontré la respuesta en una carta del compositor y teórico canadiense Alan Belkin, dirigida a compositores aspirantes. Si te tomas en serio este camino, te animo a leerla completa. Cambió la forma en que entendí mi propia formación.
Una línea de esa carta se ha quedado conmigo desde entonces. Belkin escribe que componer es ante todo un oficio, y que tienes que convertirte en artesano antes de poder ser artista.
Eso es toda la entrada, realmente. Todo lo demás es cómo se ve ese principio en la práctica.
Esta entrada forma parte de la serie de caminos de Piano Tree. Para entender cómo los años anteriores de formación llevan hasta aquí, consulta La Formación Pianística Ideal Parte 4: Los Años Profesionales.
Estoy escribiendo esta entrada en inglés, que es mi segundo idioma. Puedo hacerlo con relativa libertad porque estudié inglés. Usaré herramientas para ayudar con la gramática, pero estas palabras vienen de mí. No se están ensamblando desde un libro de frases.
La música funciona exactamente igual. Si entrenas el lenguaje musical a fondo, no tendrás ningún problema para expresarte en él. Puedes empezar a componer hoy sin ninguna formación, y mucha gente lo hace. Pero puedo decirte con certeza, habiendo compuesto música para más de treinta películas, documentales, anuncios y cortometrajes: la formación hace todo veinte veces más fácil. No porque las reglas te hagan creativo. Porque el lenguaje se vuelve tuyo.
La Música es un Lenguaje: Entrénalo Antes de Intentar Hablarlo
La frustración más común que veo en los compositores jóvenes no es la falta de talento. Es la falta de lenguaje.Tienen ideas musicales. Pueden escuchar algo internamente que quieren expresar. Pero cuando se sientan a escribir, la brecha entre lo que escuchan y lo que realmente pueden notificar, armonizar y orquestar es tan grande que la música que sale apenas se parece a lo que estaba en su cabeza.
Imagina que te enseñé a hablar español con fluidez, y luego te pido que me escribas una historia simple en ese idioma. Érase una vez. No tendrías ningún problema. ¿Por qué? Porque estudiaste el idioma. La música no es diferente.
La formación no te limita. Te libera. Una vez que hayas pasado años haciendo tuyo el lenguaje armónico, las líneas de bajo y la conducción de voces se vuelven tan naturales como elegir palabras en una oración. Dejas de pensar en la mecánica y comienzas a pensar en lo que quieres decir.
Hoy puedo recibir una película y tener un borrador completado al final de la semana. Esa velocidad viene directamente de la formación que hice. No del talento, no de atajos, de haber dedicado las horas necesarias.
Un Compositor Debe Ser un Lector Fluido
Antes que nada, la cuestión de la capacidad lectora.Un compositor que no puede leer música con fluidez está en una posición genuinamente difícil. Incluso con MIDI y estaciones de trabajo de audio digital, incluso con toda la tecnología disponible hoy, un compositor todavía imagina la partitura en su cabeza. Escuchamos la notación internamente antes de escribirla o programarla. Esa escucha interna se construye a partir de años de lectura de música, de la misma manera que tu capacidad de imaginar una oración en español se construye a partir de años de lectura en español.
¿Cómo puedes escribir música si no puedes leerla con fluidez? Puedes imaginar lo que has visto. No puedes imaginar claramente lo que nunca has encontrado.Un compositor debería ser un lector confiado al menos al nivel del Grado 8 del ABRSM. La formación de lectura a primera vista que proporciona Piano Tree es directamente relevante aquí: la exposición diaria a una amplia variedad de música construye exactamente la biblioteca interna de la que un compositor se nutre cuando trabaja.
La Secuencia de Formación
La carta de Alan Belkin describe las disciplinas fundamentales y el orden en que deben estudiarse. Su secuencia, extraída de una larga experiencia, es la que yo mismo seguí:- Etapa 1 (mínimo 1,5 años): Armonía tonal: escritura a cuatro voces, líneas de bajo, progresiones, todo en el teclado
- Etapa 2 (mínimo 2,5 años): Contrapunto: especies, imitación, canon, contrapunto invertible, fuga
- Etapa 3 (mínimo 2 años): Orquestación: conocimiento de instrumentos, mezcla, combinación de planos de sonido
- Concurrente: Composición: comenzar a escribir pronto, revisar y refinar a medida que se desarrolla el oficio
Estos plazos son mínimos para alcanzar un nivel profesional, no para completar un curso y continuar. Belkin es honesto en que la mayoría de los estudiantes que encuentra, incluidos los que han estudiado en la universidad, no pueden realizar las tareas básicas de armonía de manera satisfactoria.
Armonía Tonal: En el Piano, No Solo en Papel
Aquí es donde la mayoría de la formación formal se queda corta.La armonía estudiada solo por escrito es como intentar aprender piano leyendo sobre ello. Puedes aprobar el examen de teoría. No podrás armonizar libremente en el teclado. Y la armonización libre en el teclado es exactamente lo que necesita un compositor.
Seguí el consejo de Belkin en esto seriamente. Cuando estudié armonía, completé el libro completo de armonía de Paul Hindemith con múltiples soluciones posibles para cada ejercicio, supervisado por mi profesor en ese momento, Alberto Quercia Lagos, un compositor de cine y teatro de Argentina. El trabajo escrito siempre estuvo acompañado de tocar y cantar. Cada progresión tenía que ser escuchada, no solo escrita.
Desde allí pasé al bajo cifrado, que para mí fue el punto de inflexión. El bajo cifrado no es un ejercicio académico. Es el lenguaje compositivo histórico del período Barroco, el sistema a través del cual los compositores pensaban e improvisaban armonía en tiempo real. Estudiarlo me dio la capacidad de armonizar libremente en el piano de una manera que años de armonía escrita sola no habían logrado.
El bajo cifrado me dio todas las herramientas que necesitaba para armonizar libremente en el piano. Una cosa es analizar la armonía en papel. Otra es producirla espontáneamente en el teclado.
Luego tuve el privilegio de estudiar partimento con Peter van Tour, uno de los principales estudiosos de esta tradición. El partimento es la práctica histórica de realizar líneas de bajo en el teclado, estrechamente relacionada con el bajo cifrado, y desarrolla el pensamiento armónico improvisatorio de una manera que ningún otro método logra.
También estudié con Matteo Messori y con Federico Ciancio, profesor en el Conservatorio Manuel de Falla en Buenos Aires. El tiempo pasado en Argentina estudiando con Ciancio estuvo entre los más formativos de mi desarrollo como compositor.
Contrapunto y Fuga
El contrapunto es donde el conocimiento armónico se convierte en pensamiento musical.El contrapunto por especies, comenzando con la escritura a dos voces y progresando hacia cuatro voces, te enseña a escuchar cada voz como una línea melódica independiente mientras simultáneamente escuchas la relación armónica entre ellas. El problema más común en los estudiantes de contrapunto, como señala Belkin, es el conocimiento superficial de la armonía. Las dos disciplinas se refuerzan profundamente entre sí.
Tuve la fortuna de estudiar fuga y contrapunto con Nicola Canzano, cuyo enfoque riguroso y claro exigía que cada decisión contrapuntística estuviera musicalmente justificada, no solo técnicamente correcta. La fuga en particular desarrolla la capacidad de sostener un argumento musical complejo a lo largo de amplios períodos de tiempo, algo que se transfiere directamente a la escritura cinematográfica y de música de concierto.
Orquestación
La orquestación es la disciplina que convierte las ideas compositivas en sonido real.Lo que es fácil en el piano no siempre es idiomático para una orquesta. Lo que suena delgado en el teclado puede florecer con la combinación instrumental correcta. Lo que funciona en la escritura vocal a cuatro voces a menudo debe repensarse completamente cuando se distribuye entre una sección de cuerdas con doblajes de maderas.
Mis estudios de orquestación los realicé con Norman Ludwin, cuyo enfoque práctico y orientado al sonido fue invaluable. La lección clave que aprendí de esa formación es que la orquestación siempre debe probarse contra lo que realmente puede escucharse. La escritura idiomática para cada instrumento, lo que es cómodo, lo que es arriesgado, lo que es genuinamente imposible, es el conocimiento más difícil de adquirir y el más importante.
El punto de Belkin sobre la orquestación que requiere entrenamiento auditivo merece énfasis. Si no puedes escuchar la diferencia entre una flauta duplicando un violín en la octava y un clarinete duplicándolo, no puedes tomar decisiones inteligentes de orquestación. Todo el conocimiento teórico del mundo no sustituye a los oídos entrenados y el tiempo pasado escuchando orquestas y conjuntos de cámara en vivo.
La conexión con el piano es directa: lo que distribuyes entre tus dos manos en el piano es esencialmente un ejercicio de orquestación en miniatura. Las decisiones que tomas sobre registro, equilibrio, textura y conducción de voces en el teclado son las mismas decisiones que tomas cuando escribes para un conjunto.
Lo Que Descubres Sobre Ti Mismo Durante la Formación
Uno de los verdaderos regalos de una formación exhaustiva es el autoconocimiento.A medida que trabajas en cientos de pequeños ejercicios compositivos, empiezas a notar cosas. Ciertos acordes se sienten correctos para ti de maneras que otros no. Ciertos patrones de acompañamiento de mano izquierda se adaptan naturalmente a tu mano. Ciertas texturas te atraen mientras otras te dejan frío.
Por ejemplo: descubrí durante mi formación que me atrae profundamente la novena en un acorde menor. La primera vez que toqué ese intervalo en un ejercicio armónico, algo respondió en mí. Lo sé ahora, y es parte de mi voz como compositor. No podría haberlo descubierto de ninguna otra manera.
Durante la formación te conoces a ti mismo. Notas de inmediato algunos sabores que te gustan, algunos acordes que suenan increíbles para ti, algunos que suenan mal. Así es como encuentras tu propia voz, no buscando deliberadamente la originalidad, sino escribiendo honestamente y descubriendo lo que es más tuyo.
Belkin hace este punto bellamente en su carta: tu voz no surgirá de cultivar la extrañeza o la originalidad abstracta. Surgirá de la combinación de la música que amas y el oficio que has adquirido.
Encontrar el Profesor Adecuado
El consejo de Belkin sobre los profesores es franco y vale la pena leerlo directamente en su carta. Lo más importante no es la fama del profesor ni la reputación de la institución. Es si te dan comentarios claros, específicos y constructivos sobre tu trabajo real.Ten cuidado con la enseñanza ideológica. Un profesor que quiere que escribas en un estilo particular, o que desprecia la música que amas como pasada de moda, probablemente dañará en lugar de desarrollar tu voz. El profesor correcto en el momento correcto es una de las cosas más valiosas que puede sucederle a un compositor en desarrollo.
La Realidad de la Carrera
Quiero ser honesto sobre esto, como lo es Belkin en su carta.Componer música de concierto no es un camino hacia la comodidad financiera. La composición de cine y medios puede pagar razonablemente bien si alcanzas un nivel profesional, pero ese nivel requiere exactamente la formación descrita aquí. Los compositores que pueden entregar un borrador al final de la semana cuando un director les envía imágenes son los que vuelven a ser contratados. La velocidad viene de la fluidez. La fluidez viene de la formación.
Estoy genuinamente asombrado por la cantidad de compositores jóvenes que quieren componer sin hacer la formación. Todo se vuelve más difícil. No solo técnicamente más difícil, sino personalmente más difícil, porque la brecha entre lo que escuchas internamente y lo que puedes producir sigue siendo amplia y frustrante. Cierra esa brecha mediante la formación, y la composición se convierte en una de las cosas más satisfactorias que puede hacer un músico.
Cómo Encaja Piano Tree en el Camino del Compositor
Varios elementos del camino de formación del compositor se conectan directamente con lo que Piano Tree está diseñado para construir.La fluidez lectora que necesita un compositor para imaginar y notificar música con precisión se construye exactamente a través del tipo de práctica diaria, variada y estructurada que proporciona Piano Tree. Los ejercicios de bajo cifrado y contrapunto disponibles en la aplicación desarrollan el pensamiento armónico y contrapuntístico en el teclado más que solo en papel. La práctica de voicings desarrolla los mismos instintos que se transfieren a las decisiones de orquestación.
El camino para convertirse en compositor es largo. Belkin da mínimos conservadores: 1,5 años para armonía, 2,5 años para contrapunto, 2 años para orquestación. Estos se superponen, y la composición ocurre a lo largo de todo el proceso. Pero el tiempo no es una carga. Es el trabajo mismo. Y el trabajo es genuinamente interesante en cada paso del camino.
Empieza donde estás. Construye el lenguaje. Luego habla.
Construye la alfabetización musical que todo compositor necesita con Piano TreeEsta entrada forma parte de la serie de caminos de Piano Tree. Explora las otras direcciones profesionales: El Camino del Diploma Clásico, El Camino del Piano Jazz, El Camino del Pianista de Iglesia, y El Camino del Profesor de Piano.